Journal de Etica y Cine

Monstruos contemporáneos

2026-03-14T14:58:52Z

Universidad de Buenos Aires

El núcleo etimológico de la palabra monstruo no remite en su origen a lo horrible o espeluznante, sino a la advertencia. Derivada del latín monstrum, nombra aquello que muestra, que saca a la luz lo que permanecía tras las sombras. Se presenta como una irrupción que vuelve visible lo oculto, aquello que no sabíamos –o no queríamos saber– y que, precisamente por eso, nos convoca.

En ese sentido, la novela Frankenstein o El Moderno Prometeo, publicada por Mary Shelley en 1818, inaugura una de las figuras monstruosas más persistentes de la modernidad formulando una pregunta que sigue vigente: ¿de qué nos advierte ese cuerpo ensamblado, animado por la ciencia y luego abandonado? ¿Qué viene a mostrar Frankenstein sobre la ambición humana, sobre los límites del saber, sobre un hombre que avanza sin responsabilidad sobre los efectos de su accionar? En sus variantes literarias y cinematográficas, la criatura de Frankenstein siempre encarnó un exceso en relación a la ciencia como pretensión de dominio de lo real.

Es lo que plantea el artículo central de este número “Creadores y padres en el mito de Frankenstein” de Eduardo Laso, que establece la diferencia entre el gesto de filiar una criatura y el afán creacionista de la ciencia. Desde una perspectiva complementaria, el trabajo de Tomas Gaete Altamirano “Un Monstruo Melancólico: un análisis psicoanalítico del Drácula de Coppola” presenta el problema en torno a la figura de Drácula, otro monstruo célebre de la literatura y el cine.

La referencia al mito de Prometeo inscribe la novela de Shelley en una crítica al optimismo positivista respecto a la posibilidad de expandir los límites de la ciencia en el dominio de la vida. Es que el fuego robado a los dioses no ilumina sin un resto… Serapio Estanislao Cazana Canchis reflexiona al respecto en su texto “La ética prometeica en la película Oppenheimer: riesgo, incertidumbre y ambivalencias”, proponiendo tanto un recorrido por las contradicciones del ethos en relación al mito prometeico como una novedosa actualización de dicho mito a partir del film Oppenheimer. Asimismo, el libro Prometeo en Occidente de Javier Aliaga analiza las resonancias del mito y su eficacia para plasmar la relación ambivalente que la cultura mantiene con sus propias creaciones.

De los mitos fundantes a las figuras contemporáneas, los monstruos continúan cumpliendo su función de señalamiento. Pero no todos provienen del exterior ni llevan un aspecto desagradable. El mito de Narciso, releído en clave contemporánea, deja entrever otra figura atractivamente monstruosa: la del doble, la despersonalización y el repliegue mortífero sobre la propia imagen. En “Black Swan: la mancilla del yo en el doble del espartículo espejo”, Ignacio Roldán Martínez lo expone con claridad: no hay aquí una criatura desagradable que irrumpe desde afuera, sino una subjetividad que se fractura al identificarse con un ideal imposible.

Y en esta fascinación actual por la cinematografía de asesinos en serie y perversiones, ¿cuánto hay de esa terrible criatura que podría habitar en nosotros? El texto del psicoanalista Jorge Bafico titulado “Ed Gein, vecino poco amigable” constituye una invitación a cuestionar la monstruosidad que puede habitar en lo humano, así como una reflexión en torno a los alcances de sus efectos.

Quizás los monstruos no pertenecen al pasado y no corresponden a lo absolutamente foráneo, sino más bien a lo éxtimo, a aquello que se fundaría en un juego dialéctico entre lo íntimo y lo ajeno, guardando una proximidad con la condición humana mayor a lo que imaginamos. Lo monstruoso regresa así con toda su potencia para advertirnos sobre las posibles consecuencias de nuestro accionar cuando éste desatiende los límites propios del orden humano, cuestionando incluso el propio concepto de reproducción humana y de ciencia ficción. En esta línea, los trabajos “Ciencia ficción: cine, política y pedagogía sobre la invasión extraterrestre” de Xavier Brito Alvarado y Ana Sedeño-Valdellos, e “IA, aceleracionismo y erotismo. Una lectura ético-psicoanalítica a través del cine” por Aldana Argüello Valenzuela y Rut Fidel constituyen un puente para su abordaje.

Por su parte, la propuesta de Enrique Richard y Melisa Eileen Richard Contreras “Tejiendo la Ética y la Praxis: El Cine como Simulador para una Formación Holística en Ciencias de la Salud” adiciona a este número de Ética & Cine Jorunal una interesante indagación relativa al uso del cine como herramienta para el abordaje de temáticas de interés para el campo de la bioética. Se finaliza este recorrido con una reseña del reciente libro de la investigadora Evie Kendal titulado Ciencia ficción y ética de los úteros artificiales, en donde se analizan los alcances bioéticos de la ectogénesis y la eficacia del cine para el abordaje de esta novedosa y compleja temática.

Como el Dr. Frankenstein se pretende Dios pero es incapaz de alojar a su criatura, es ésta –y no Dios mismo como en la Biblia– la que le hace saber que "no es bueno que el hombre esté solo" y aparece la idea de crear una mujer. En esta línea, el artículo “Frankenstein en femenino. Variaciones de lo monstruoso” de Lucía Amatriain e Hilen Ottone aborda cómo lo femenino se presenta en el punto donde la pretensión científica se fractura, revelando el límite del dominio humano sobre la vida.

Finalmente, sobre el cierre de este número del Journal, en marzo de 2026, se acaba de estrenar ¡La novia!, de Maggie Gyllenhaal. Allí Mary Shelley reencarna en la novia de Frankenstein en los Estados Unidos de los años 30 y junto a Frankie conforman una suerte de Bonnie and Clyde, que resulta un fracaso de público y crítica. El mito, como todo mito, se presta a innumerables variaciones. No todas le hacen justicia.

Cine y Catástrofe

2025-07-11T23:10:00Z

Universidad de Buenos Aires

¿Qué nos enseñan las películas y series sobre la catástrofe contemporánea? El éxito mundial de El Eternauta (Stagnaro, 2025- ) renovó el interés por el cine como pasador de lo real traumático. En esta serie se conjugan al menos tres catástrofes de la historia argentina, que tienen a su vez alcance global: el colapso climático y económico, la guerra, la invasión, entendida como la coexistencia con la diferencia. Todo ello en el marco de una tragedia mayor: Héctor Oesterheld, el autor del comic original, escribe su historia en 1957, y veinte años más tarde, en 1977, es secuestrado y desaparecido por la dictadura junto a sus hijas, yernos y nietos. La catástrofe de la ficción lo alcanza en lo real. Y este desdoblamiento de la escena interpela al espectador de la serie, que se ve confrontado après coup, con lo siniestro ¿Cómo sobrevivir a semejante horror?

Ilustración realizada por Felix Saborido para la revista Feriado Nacional en octubre de 1983.

Intervención de la asociación H.I.J.O.S sobre la familia Oesterheld en los carteles de la serie El Eternauta en 2025

Desde sus inicios, el cine se ocupó de las distintas formas del desastre. La primera producción que plasmó en la pantalla un estrago fue Fire!, cortometraje inglés de 1901 dirigido por James Williamson que recrea el rescate por parte del cuerpo de bomberos de personas atrapadas en medio de un incendio pavoroso. Y la más reciente de éxito mundial, seguramente El Eternauta (2025), que como vimos nos confronta con escenarios de urgente actualidad.

Pero este caso resulta más sofisticado, porque la adaptación cinematográfica de la historieta original incluye una catástrofe dentro de la catástrofe. Juan Salvo, el personaje encarnado por Ricardo Darín, llega afectado por un trauma de guerra. Ex combatiente de Malvinas, el nuevo escenario se le superpone a aquél otro ya vivido. Y esta nueva contingencia resulta ser un modo de actualizar aquel trauma encapsulado y, a la vez que padecerlo, comenzar a elaborarlo. Pero para hacerlo, deberá tomar nota, en acto, de lo nuevo.

Esta dialéctica de tiempos cronológicos y tiempos lógicos resulta de especial interés para el abordaje ético. Porque permite pensar la cuestión del trauma no de manera lineal sino en el marco del nachträglich freudiano. Para situarnos en esta complejidad este número del Journal bordea el tema de la catástrofe, el trauma y el acontecimiento a partir de una serie de escritos originales.

Se inicia con el artículo de Eduardo Laso, que analiza la serie El Eternauta en interlocución con el texto clásico de Ignacio Lewkowicz “Catástrofe: experiencia de una nominación” (2004), proponiendo una relectura actualizada de aquellas tesis. Volveremos luego sobre esta perspectiva.

O el trabajo de investigación de Ignacio Trovato, que analiza la música elegida para el film y el modo en que ella alterna lo diegético y lo extradiegético para conformar, a partir de sutiles puestas en abismo, el clima inquietante de la trama.

Además, el artículo “Tres miradas sobre El Eternauta” ofrece la posibilidad de conocer o revisitar tres lecturas originales sobre la serie que fueron publicadas en distintos medios de difusión. Se trata de los análisis realizados por Juan Tausk, Sergio Zabalza y Joaquín Cardoso.

El número se completa con una serie de artículos que recorren diferentes temáticas y dos reseñas cinematográficas.

Dentro de la temática de trauma y catástrofe, Fernando Gómez y Galan de la Universidad Columbia del Paraguay explora las consecuencias del “silencio obligado”, es decir, cuando este se presenta vinculado con la supervivencia. El artículo “La libertad de expresión en silencio: un análisis ético y psicoanalítico” propone un abordaje de la temática a través del film de terror y ciencia ficción A quiet place (Krasinski, 2018).

Por otro lado, en “La cuestión del padre” Tecla González Hortigüela, de la Universidad de Valladolid, realiza un análisis psicoanalítico de la película Magical Girl (Vermut, 2014). A través de “desentrañar el efecto emocional que el film ofrece”, la autora propone reflexionar acerca de las emergentes configuraciones de la paternidad en la sociedad actual.

Por su parte, María Teresa Galarza, desde la Universidad de Cuenca, nos invita a analizar la narrativa y los efectos técnicos-estilísticos que se ponen en juego en la película Promising Young Woman (Fennell, 2020). La autora expone la existencia de dos tipos de miradas intencionadas, una masculina y otra femenina, que determinan la presentación del personaje protagónico y la trama.

El artículo “Una ascesis del tiempo vivido”, de David Colmenares de la Universidad de California, examina la relación entre el cine y el tiempo en la obra Arrebato (Zulueta, 1979). Para ello, se considera tanto la narrativa del film como las declaraciones de su realizador, quien desarrolló una teoría original que ubica al cine como un medio capaz de sintetizar temporalidades subjetivas y objetivas.

Las dos reseñas que cierran el número son una invitación a descubrir dos documentales que abordan temáticas referidas a los Derechos Humanos: Viejas que hierven (Tapia, 2022) y Miércoles 15.30, memorias de una ausencia (Chomali, 2023).

Para concluir, digamos que Ignacio Lewkowicz propone dos modos de pensar la catástrofe, con consecuencias diferentes respecto de la posición del sujeto que debe enfrentarla. Por un lado, pensarla desde lo que queda; por otro lado, pensarla desde lo que hay. Como lo plantea Eduardo Laso en el artículo que abre este número, pensar desde lo que queda es pensarla como el resto de una operación de destitución, mirada melancólica que hace un balance de lo perdido y anhela recuperar. Un habitar la situación de desastre desde la lógica previa, que da como resultado un déficit: un resignado “no queda casi nada”. Pensar desde lo que hay es, en cambio, pensarla desde el inventario que precede a una operación que da como resultado un plus afirmativo: un “hay lo que hay”. Operación que implica asumir la preeminencia del cambio y la contingencia. Y la contingencia, a diferencia del arrasamiento, es la posibilidad precaria de organización de la subjetividad.

Un ejemplo magnífico de este movimiento es la escena de la sepultura en El Eternauta. Todo es un caos y los tres amigos están desquiciados. La nevada se ha detenido pero la amenaza continúa y la supervivencia se hace más incierta que nunca. En ese contexto, deciden hacer un alto para sepultar al amigo muerto. La ciudad es un tendal de cuerpos, pero en la despedida a uno de ellos se juega el destino de la humanidad toda. Cavan una fosa y dicen el último adiós al Ruso arrojando tres naipes con el mayor ligue del truco. Un breve ritual funerario que recuerda el gesto de Antígona y que los reconcilia con lo simbólico en medio del estrago.

Esa es la función del cine: confrontarnos con la catástrofe para hacer de ella una escritura, que, como la clínica, transmute un destino traumático en acontecimiento creador.

Science and Profession Congress Symposium 2023

2024-10-25T22:25:59Z

Abstract

On November 3, 2023, the Journal Ethics & Cinema was present at the Science and Profession Congress of the UNC Faculty of Psychology, in the symposium titled Psychoanalysis, Ethics and Cinema. It was a transmission and conversation experience that opened new questions and guided lines of work to continue investigating based on cinema and series. Likewise, it boosted the interest of the Magazine team in creating this dossier, which compiles the works presented there, in order to be able to convey through writing something of what this transmission experience was.

- Volumen 13 | Nº 3

Puesta en abismo

2024-10-25T22:20:57Z

La expresión francesa mise en abyme, cuya traducción literal es «puesta en abismo», es una figura retórica tomada de un motivo de la heráldica que designa un dibujo en el centro del escudo de armas que reproduce, en menor escala, los contornos exactos de ese mismo escudo. La expresión se utiliza para referirse a una obra que se muestra en el interior de otra, que habla de ella, cuando los dos sistemas significantes son idénticos: relato dentro del relato, pintura representada en una pintura. (Nota de la traductora del seminario El Otro que no existe y sus comités de ética, de Eric Laurent y Jacques-Alain Miller, 2005, p.110)

En este seminario, publicado por primera vez hace veinte años, Laurent y Miller introducen el valor ético-clínico de la puesta en abismo. Y lo hacen a través de un comentario cinematográfico:

La estructura de redoblamiento es subrayada por el genio de Cukor, quien en medio del filme La costilla de Adán presenta una escena en la que Hepburn y Tracy muestran a sus amigos una peliculita de aficionado, instalando de este modo una escena del filme en la película, que subraya perfectamente la estructura de la puesta en abismo y sitúa el divorcio en el divorcio (como la escena del teatro en la obra de Hamlet refería el asesinato en el asesinato). Se expone así una puesta en abismo de la verdad. (2005, p. 109)

Se introduce así el valor de este recurso de la retórica del cual el cine nos ofrece, efectivamente, valiosos ejemplos. Este número de Ética y Cine Journal está destinado a presentar algunos de esos hallazgos que permiten anudar el acontecimiento creador y el acto ético [1].

Ante todo, el artículo de Michel Fariña y Laso “Acting: La puesta en abismo en el cine como recurso de la clínica analítica”, la primera sistematización teórica de la cuestión, en el que se repasan una docena de películas, desde La era de hielo (Wedge, 2002) hasta la última temporada de Black Mirror (Brooker, 2011-2023), para mostrar el valor de verdad que emerge de sus tramas.

O el escrito de Luis Ángel Campillos “Eraserhead de David Lynch como secuela de Crímenes del futuro de David Cronenberg. La potencia subversiva del Cuerpo-sin-Órgano”, que pone en interlocución ambos films centrándose en las posibilidades que conlleva la desorganización de los cuerpos. En esta perspectiva, el film de Cronenberg se desdobla en la grotesca y extraña figura protagónica del clásico de Lynch lo cual nos abisma a la emergencia de nuevos sentidos y significaciones del cuerpo.

En una línea análoga, Juan Dardón en su artículo “La chienne y Scarlet Street: la función femme fatale en el filme noir y el realismo poético” produce una lectura de ambas narrativas cinematográficas en la indagación de la figura de la femme fatale y el femicidio al proponer que La chienne anticipa las modalidades de adecuación y naturalización de la violencia patriarcal que se retoman en Scarlet Street.

En esta misma vertiente de pensar interlocuciones entre planos conceptuales, se inscribe el artículo de Mireille Berton “Freud y la “intuición cinematográfica”: psicoanálisis, cine y epistemología”, que aborda las redes de relaciones entre psicoanálisis y cine según una nueva modalidad que atravesaría estas dos esferas “gemelas” en una perspectiva epistemológica. Las relaciones que propone entre cine y sueño, por ejemplo, permiten pensar un desdoblamiento en abismo de escenas estéticas y clínicas. Para ello la autora incluye fotogramas del clásico de Buster Keaton «Sherlock Jr.» (1924), una de las primeras puestas en abismo en la historia del cine. Una película dentro de la película en la que el sueño del proyectorista se abisma en la Otra escena de la pantalla. [2], como lo muestra el reciente estreno de la serie Ripley (Netflix, 2024), tal vez la mejor recreación en la pantalla del clásico de Patricia Highsmith. En el quinto episodio, titulado “Lucio”, el personaje visita una iglesia en Roma, en la que ve la célebre obra de Caravaggio “David con la cabeza de Goliat”. En el fondo se escucha parte de la explicación del guía, quien realiza una interpretación vinculada con las emociones que sintió David, enfatizando una cierta “ternura” por Goliat, luego de haber cometido el asesinato. Más adelante en el capítulo, Ripley asesina a un personaje (Finn), por haber descubierto su participación en la desaparición de un amigo en común, Dickie. Después de asestar un golpe mortal en la sien de Finn, Ripley alza la cabeza del difunto sosteniéndola por el cabello ensangrentado, y vuelve a él la imagen del cuadro de Caravaggio.

A partir de esta analogía que puede establecerse entre ambas escenas, la serie da a explorar las vinculaciones entre el análisis que presenta el guía de la galería y la figura de Ripley mirando a Finn. Esto también porque Finn es un personaje que desagrada a Ripley desde el inicio, por considerarlo un “farsante”; adjetivo que describe cabalmente la situación vital del propio Tomás Ripley. [3]

Esta variante de puesta en abismo que consiste en incluir una pintura al interior de un film tiene innumerables ejemplos en la historia del cine. Como la escena de Psicosis (1960), de Hitchcock, en la que Norman Bates espía a Marion a través de un agujero en la pared disimulado tras un cuadro. Cuando retira la pintura para mirar al otro lado, vemos que se trata de una versión de “Susana y los viejos”, obra del Renacimiento que representa a dos ancianos espiando el baño de una mujer desnuda, subrayando así la posición voyerista del personaje. O en la más reciente versión de La voz humana (2020), de Almodóvar, en la que la escenografía reproduce obras de Artemisa Gentileschi, la revolucionaria pintora renacentista italiana, ella misma empoderada luego de haber sido objeto de ultraje por un hombre, anticipando así la gesta del personaje del film.

O en el bello ejemplo que hemos tomado para la portada de este número del Journal, el del clásico film Laberinto (Henson, 1986), con David Bowie. Cuando la adolescente de 15 años Sarah Williams se ve forzada a ingresar en un laberinto para recuperar a su hermanito Toby, resulta que el laberinto en cuestión es el interior de un grabado de Escher que Sarah tiene como póster en su habitación. Así, las obras “Relatividad” y “Cóncavo y Convexo”, de M.C. Escher, con sus escaleras que al mismo tiempo suben y bajan, o sus desafíos a la gravedad, indican la vía de lo imposible para la travesía de Sarah. Subrayando este carácter de fantasma que tiene para ella el personaje del duende que protagoniza David Bowie, la escena concluye con una toma del detalle de la reproducción de Escher:

El número está integrado también por aportes de autores internacionales vinculados con distintas temáticas sobre la relación entre la ética y el cine.

En el artículo "El fin de la humanidad según Interestellar" María Marta Preziosa explora el alcance del film de Nolan para pensar temáticas que conciernen a la humanidad, como la esperanza, la eternidad, la culpa y la confianza sirviéndose de la Encíclica Spe Salvi (Benedicto XVI, 2007) como analogía para ofrecer una lectura novedosa al respecto.

Por su parte, en “La heroicidad como arena de lucha del género. El caso de la serie Robin Hood”, Cecilia Luque analiza los significados de femineidad y masculinidad a partir de la serie televisiva Robin Hood (BBC, 2006-2009) donde observa de qué modo las perspectivas queer y posfeministas se disputan el sentido de la heroicidad a lo largo del relato y cómo la inicial innovación de la serie da un vuelco hacia el sector conservador.

El trabajo “Tarantino y la sutil violencia de la ideología” gira en torno a la temática del film noir y a la categoría de violencia en el cine, aportando una novedosa lectura al respecto. Rodolfo Vera García propone una reflexión en torno a dicha categoría y a su relación con el concepto de ideología, analizando a tal efecto distintos escenarios de la obra cinematográfica de Quentin Tarantino.

El estudio sobre la violencia en el cine se hace presente también en el artículo “Del horror a la trasmutación corporal en el cine de David Cronenberg”, de Xavier Brito-Alvarado. El autor analiza la representación del cuerpo en la filmografía del director con el objetivo de debatir sobre la metamorfosis no solo de cuerpo biológico, sino psíquico que está atravesando la especie humana.

En “Metales hipersónicos, mujeres insecto cantantes, orquídeas sinfónicas. Cuerpos híbridos en Vermillion Sands, de J. G. Ballard”, Franziska Humphreys propone una reflexión a partir de distintas obras literarias provenientes de la ciencia ficción, poniendo el foco sobre la emblemática colección de relatos cortos Vermillon Sands de James Graham Ballard, para establecer un análisis centrado en la tensión entre el campo biotecnológico y la subjetividad humana. Asimismo, la autora presenta un intertexto entre Crash, otra de las obras icónicas del novelista inglés, y su primer versión cinematográfica (estrenada en 1996 y dirigida por David Cronenberg), abriendo una reflexión atinente tanto a la dimensión de la corporalidad como a aspectos de género en las narrativas ficcionales.

En sintonía con esta propuesta, en “Una multiplicación, un brote del cuerpo: cine, cuerpo y política en el pensamiento de Foucault” Lautaro Colautt se aboca al análisis de distintas publicaciones y entrevistas en las que el filósofo Michel Focault se ha ocupado de la temática del cine, proponiendo una indagación en torno a los distintos modos en los que la narrativa cinematográfica se ha ocupado de representar las relaciones entre cuerpo y política.

Por su parte, el autor Ander Goikoetxea Pérez se enfoca en el estudio del cine de fantasía. El artículo “Los desafíos de la sociedad a través del cine de fantasía: el cometido del bosque en Errementari e Irati, de Paul Urkijo Alij” analiza la función ética del bosque en la narrativa audiovisual a partir de la filmografía del director vasco.

Por último, desde la Universidad de Ciencias Médicas de Camagüey, Pablo Hernández Figaredo relata una actividad comunitaria realizada a partir de ficciones cinematográficas con el fin de promover la salud mental de las personas de la comunidad. El artículo “PSICOCINE: un espacio para la promoción de salud mental en Camagüey, Cuba” explora el valor del cine en espacios de formación formales y no formales.

Completan este número dos reseñas. En la primera, titulada “Un curso sobre los derechos humanos en la gran pantalla”, Francisco Pérez Fernández comenta el libro “Los derechos humanos en el cine”, cuya autoría corresponde a Benjamín Rivaya García. La obra propone explicar la forma en que el cine se relaciona con el mundo jurídico para poder utilizarlo como recurso educativo.

La segunda reseña, a cargo de Tamara Ajzensztat, es sobre el cortometraje de animación Latimos (2020). La autora invita a la visualización de la producción con el fin de que los estímulos audiovisuales permitan “acercarnos a ese imposible que es acceder a la fuente de inspiración artística”.

Referencias

Laurent, E., y Miller, J.A. (2005). El Otro que no existe y sus comités de ética. Ediciones Paidós.

[1] Agradecemos las contribuciones de Juan Jorge Michel Fariña en las ideas y redacción de esta Editorial.

[2] Ver al respecto el abordaje del corto de Buster Keaton en https://www.deseodecine.org/sherlockjr y el excelente artículo de la propia Mireille Berton «L'illusion de la réalité à l'épreuve de la scène : Théâtre et rêve dans Sherlock Junior, de Buster Keaton». También por cierto esta estructura de puesta en abismo se puede apreciar en el uso de la pintura en el cine Sobre la puesta en abismo generada a partir del uso del teatro dentro del cine, podemos recuperar la escena del film Birdman (González Iñárritu, 2014). Luego de que el protagonista, Riggan, queda por accidente fuera del teatro en ropa interior, reingresa al mismo y retoma el diálogo de la escena en curso, escena que a lo largo del film vemos repetirse y que tiene como suceso central el suicidio del personaje, interpretado por Riggan, quien se dispara tras un desengaño amoroso: “¿Por qué, dime por qué? ¿Qué pasa conmigo? ¿Por qué siempre le ruego a la gente que me ame? Solo quería ser lo que tú quisieras. Ahora paso cada maldito día intentando ser alguien que no soy”. Posiciona su mano con el gesto de un arma debajo de su mentón. Estas líneas del guion nos invitan a reflexionar sobre la interacción que se establece con el relato al interior de la historia de Riggan, permitiéndonos reconocer en esta conexión la técnica de puesta en abismo. Esas líneas del guion de alguna manera se convierten en la enunciación que subyace a la historia de Riggan y que él mismo ratifica de la siguiente manera: «Y esta obra comienza a parecer una versión en miniatura y distorsionada de mí mismo que me sigue a todas partes y me golpea con un pequeño martillito». Si la voz de Birdman lo golpea como el picoteo de un pájaro en la cabeza que le dice que siga siendo ese quien que todo lo tiene, la obra de Carver lo enfrenta con la insoportable idea de que sólo se puede ser-alguien que no se es.

[3] Respecto del nombre del capítulo, “Lucio”, es interesante también vincularlo con el movimiento artístico en el que se enmarca Caravaggio, el Barroco, tomando como eje de posibles relaciones el valor que tiene la luz (y por ende, las sombras) dentro del movimiento. Justamente el “claroscuro” distintivo del Barroco podría bien ser lo que caracteriza a toda la serie Ripley; ya que la apuesta estética de la producción es completamente en blanco y negro y es justamente el contraste y los matices lo que va marcando el paso en el desarrollo de la historia. Como refuerzo del topoi, podrían pensarse la etimología de “Lucio” vinculada con la luz (“luce”) y el comentario de un sacerdote a Ripley, mientras este último observa un primer cuadro de Caravaggio, en el que le dice algo que será clave en el desenlace de la trama: “todo está en la luz”.

Libertad y Memoria

Ignacio Trovato, Lucía Amatriain, Paula Mastandrea — 2024-10-25T22:20:15Z

Libertad y Memoria. La libertad como fantasma

Este 2024 se cumplen 50 años del estreno de El fantasma de la libertad, de Luis Buñuel. Una película imprescindible para resignificar la obra de este director, uno de los más libres de la historia del cine. Homenaje al surrealismo, movimiento que Buñuel contribuyó a fundar en su juventud, está realizado sobre una serie de viñetas entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. En el inicio, soldados franceses entran a la catedral de Toledo durante la invasión napoleónica y un capitán besa apasionadamente la estatua de una mujer. Un matrimonio se escandaliza con unas postales que muestran monumentos de París. Un hombre, desvelado en mitad de la noche, ve desfilar animales por su cuarto. Una mujer mayor y su joven sobrino se acuestan juntos en un hotel, pero la escena reserva una sorpresa. En una escuela de policías, un gendarme pretende dictar una lección sobre antropología. Un francotirador es juzgado culpable y dejado en libertad después de matar a 18 personas. Una multitud furiosa asalta un zoológico gritando lemas de la resistencia anti-napoleónica, mientras un avestruz mira directamente al espectador, interpelándolo.

Lacan, que como Buñuel nació con el siglo XX, fue también protagonista del movimiento surrealista pero crítico de la idea de libertad tal como fue planteada luego desde Sartre y los existencialistas. Se fue generando así una tensión entre las distintas acepciones de “libertad”: libertad en el capitalismo, la idea de libertad en el surrealismo, la de "liberación" que planteaba el comunismo… La libertad devino un significante vacío que luego se asocia a otros significantes que portan sentidos diferentes y muchas veces antitéticos: libertad de mercado, libertad de los impulsos y deseos, liberación de las cadenas del yugo capitalista en favor de una vida común al servicio de una sociedad igualitaria, etc.

Esta función de significante vacío, anticipado por la estética provocadora de Buñuel, nos sitúa en una hipótesis interesante: la libertad como fantasma. ¿Qué tiene para decir la ética sobre la libertad y qué enseñanzas nos puede aportar el cine?

La delimitación conceptual, entrecruzamiento y puesta en tensión de las categorías de “libertad” y “memoria” ha resultado un tema de interés tanto para el campo de la bioética como de la biopolítica. ¿Qué implicancias reviste la noción de libertad en la especie humana? ¿Consiste la memoria en el mero registro mnémico de los acontecimientos que vivenciamos? Interrogantes que nos sumergen de lleno en la complejidad del asunto, complejidad signada por la marca del significante, por la inmersión de lo humano en el campo del lenguaje.

A partir del atravesamiento por el orden simbólico, la noción de libertad toma distancia de aquel trivial –aunque tan frecuente– axioma que pretende esbozarla como una suerte de apertura a un sin límite de posibilidades, a un despliegue irrestricto de la voluntad humana. Una lectura más rigurosa sobre el tema nos conduce en cambio a la presunción de que la libertad se encontraría, ineludiblemente, atravesada y amarrada a aspectos que resultan constitutivos de la condición humana, como ser la dimensión inconsciente del psiquismo o la sujeción a un orden social.

El descubrimiento freudiano, de hace más de un siglo atrás, respecto a la existencia del inconsciente ha introducido un cambio de paradigma a la hora de pensar las conductas humanas. A partir del mismo, sostener la plena libertad en la toma de decisiones o en el despliegue del accionar humano no sólo sería ilusorio, sino también renegatorio. Ahora bien, desconocer las determinaciones del inconsciente no nos exime, por supuesto, de sus consecuencias. Por el contrario, los puntos ciegos de cada quien se filtran en las acciones que se suponen bienintencionadas, voluntarias, que acaban en sus propios fines. Frente a ese desconocimiento que nos divide, frente al exceso -que puede presentarse como déficit o plus- de nuestras acciones, somos responsables, es decir, debemos responder. Y para hacerlo, es necesario el atravesamiento de la propia historia, de las marcas que nos constituyen. Es necesario advertir las propias ataduras, que nos conciernen. Desde esta perspectiva nos interesa pensar el entrecruzamiento de la libertad con la memoria.

¿Hacia dónde podría conducirnos una libertad “desmedida”, sin referencias, sin acuerdos, sin historia? ¿A quién habría de liberar? Sin un ordenamiento simbólico, ¿qué se transmite?, ¿qué se elabora? En estos términos, la libertad ¿es posible?, ¿es deseable?

La marca del significante vehiculiza la sujeción de lo humano a un código cultural que implica consensos y condiciones que procuran establecer un límite frente al carácter presuntamente “libre” de la conducta. Estos acuerdos se alejan de la idea de limitación –en el sentido de acotar, restringir–; más bien, establecen un sostén, un marco, que regula excesos y permite pensar una situación a partir de lo ya sabido. En todo caso, la libertad podría situarse en la lectura que descomplete una situación que parece dada, cerrada, para introducir una novedad. Si la libertad existe, será en las fisuras del saber, que no desconoce. En los márgenes de lo sabido, que posibilite ampliar horizontes. Apostamos a una memoria que, como registro que resguarda la relación con los otros, haga tope a lo ilimitado, a lo excesivo.

Habitar el campo de lo humano, del lenguaje, implica entonces la sujeción tanto a tales consensos como el atravesamiento por los avatares que el inconsciente impone. Justamente, Freud propone la asociación libre al enunciar la regla fundamental del psicoanálisis en sus escritos técnicos (1912), que establece que no se deben excluir ocurrencias, por más desagradables o disparatadas que se sientan. Sin embargo, Lacan (1966) nos advierte que esta asociación no es tan libre como se cree:

El sujeto en lo que dice no muestra, a decir verdad, una gran libertad. No es que esté encadenado por el rigor de sus asociaciones: sin duda lo oprimen, sino que más bien ellas desembocan en una palabra libre, en una palabra plena que le sería penosa. Nada más temible que decir algo que podría ser verdad. Porque podría llegar a serlo del todo, si lo fuese, y Dios sabe lo que sucede cuando algo, por ser verdad, no puede ya volver a entrar en la duda. (p. 587)

Así, la asociación libre –sobredeterminada por el inconsciente– nos conduce hacia el terreno de la contingencia, de un decir en acto que se distancia de la duda neurótica. Nos invita a un posible acontecimiento que marque un punto de inflexión al ubicar una verdad sobre el propio goce.

En los límites de la fantasía y la realidad, Buñuel exhibe el absurdo de la libertad acompañada de una ley impotente que no opera frente a las pulsiones desenfrenadas de personas ciertamente desorientadas.

A partir de la narrativa cinematográfica en este número de Ética y Cine Journal indagaremos tanto la vertiente bioética como biopolítica de cuestiones ligadas a la libertad y a la memoria, abordando los aspectos referidos y a la vez la dimensión de lo traumático, la cual, en su carácter de lo imposible de ligar, tiende a perseverar en la memoria en un fallido intento de inscripción de aquello que habría sido vivenciado por un sujeto -o por un colectivo social- en términos de lo inasimilable. El cine nos permite esbozar un entramado, poner en diálogo escenas para elaborar lo que resulta imposible de simbolizarse por completo.

Una serie de artículos nos acercan distintas lecturas sobre esta temática.

En el primero, titulado “La inmortalidad como libertad. Un contraste cinematográfico”, Luis Fernando Rodríguez Lanuza analiza los personajes principales de las películas Offret/Sacrificio (Tarkovski, 1986) y The house that Jack built/La casa que Jack construyó (von Trier, 2018). A través de la obra de Sören Kierkegaard, el autor propone reflexionar sobre los puntos de encuentro y desencuentro de estos personajes en torno a la búsqueda de la libertad.

Por su parte, en el artículo “El dolor en el recuerdo: memoria, política y estética en el largometraje Hannah Arendt (2012), de Margarethe von Trotta”, Francisco David García Martín retoma este film para estudiar el modo en que presenta la estética de Arendt y su influencia en reconstruir una memoria del holocausto y del nazismo. A través de este artículo, se explora el pensamiento de Arendt en torno a algunos de los eventos más dramáticos que se han producido en la historia de la humanidad y su concepción de otredad.

En esta misma línea, Andrés Téllez Parra parte del film Los parecidos (Ezban, 2015) para estudiar la representación de dos eventos de la historia mexicana contemporánea que clasifica como “traumas culturales”: la matanza de estudiantes en la Plaza de las Tres Culturas el 2 de octubre de 1968 y la desaparición forzada, la noche del 26 de septiembre de 2014, de 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural “Raúl Isidro Burgos”. En el artículo “Trauma cultural y violencia en el México contemporáneo”, Téllez Parra ofrece una revisión de la manera en que el concepto de trauma proveniente del psicoanálisis se utiliza para explicar distintos fenómenos sociales y culturales.

En el artículo “Apuntes psicoanalíticos sobre la memoria en el cine documental en primera persona”, Juan Carlos Hernández Arreygue se enfoca en el estudio de las narrativas audiovisuales que ofrecen las memorias individuales, familiares y/o colectivas de sus directores y directoras. El autor parte de la afinidad entre la memoria y el inconsciente que se pone en juego en estas producciones para estudiar la relación entre psicoanálisis y este tipo de cine documental.

Como cierre de los artículos que integran esta sección monográfica, el artículo de Daniel Adrián Giacomelli, “La ciudad de los nervios excitados: vida urbana en el noir argentino clásico”, nos invita a rememorar tres filmes argentinos realizados durante el peronismo: Apenas un delincuente (Fregonese, 1949), Del otro lado del puente (Rinaldi, 1953) y Ensayo Final (Lugones, 1955). El autor propone estudiar la representación de la vida urbana que se desarrolla en estos filmes, junto con el sentimiento peronista presente en sus protagonistas.

Además, el número ofrece tres artículos que introducen diferentes temáticas a partir del análisis del cine francés.

En “37° Le Matin. Una lectura de la película Homónima de Jean-Jacques Beineix”, Luiz-Olyntho Telles da Silva ofrece su lectura de este film francés, conocido entre nosotros como “Betty Blue”. Poniendo el foco en el recurso musical, el autor explora las consecuencias en la vida del sujeto del cruce entre una frágil estructura de lo Simbólico y lo Real fantasmático.

En una sección especial, Vania Widmer y Eduardo Laso analizan, por separado, el film Les choses humaines (Attal, 2021). En el primer caso, la autora retoma una entrevista realizada al director para contar con su punto de vista a la hora de estudiar las decisiones de producción y de la narrativa. En el segundo, Eduardo Laso titula su artículo “La responsabilidad por el goce” y brinda su lectura en torno a la paradoja que propone el film: una relación sexual consensuada que deviene abuso por resignificación.

Y cierra el número con tres reseñas de libros sobre cine.

La primera de ellas, “Polifonía de La voz humana de Pedro Almodóvar”, una compilación de escritos analíticos sobre el clásico de Cocteau recreado por Almodóvar, compilados por Fabiana Gómez. En su reseña, Esteban Costa aborda el tema trans y la cuestión de la sexuación.

La segunda, una primicia que anticipa el libro “Chantal Akerman, Œuvre écrite et parlée” de próxima aparición en abril 2024 dedicado a la mítica directora belga. Su film icónico “Jeanne Dielman, 23, quai du commerce, 1080 Bruxelles”, que realizó a los 25 años, acaba de ser incluido entre los mejores de la historia del cine.

En la tercera reseña, Andrea Fernández González nos invita a la lectura de “La felicidad más allá del bien y del mal”, de Melissa Hernández Iglesias. La obra propone un punto de encuentro filosófico y narrativo entre la filosofía de Nietzsche y el controvertido personaje Hannibal Lecter.

El fantasma de la libertad / La libertad como fantasma. A medio siglo de su estreno, el film de Buñuel mantiene toda su vigencia y este número del Journal es un homenaje a su memoria inspiradora. ¡Disfrutémoslo!

Simposio Congreso Ciencia y Profesión 2023

2024-10-25T22:19:00Z

Introducción

por Juan Pablo Duarte, Coordinador del Simposio. Subsecretaría de Cultura, Universidad Nacional de Córdoba

Desde el año 2012, un equipo de docentes y egresados de las facultades de psicología de la Universidad Nacional de Córdoba y la Universidad de Buenos Aires coeditan la Revista Académica Cuatrimestral Journal Ética & Cine. El presente simposio tiene por objetivo transmitir algunas de las líneas que orientan este trabajo sostenido a lo largo de más de una década que toma al cine y las series como territorio de investigación en torno los interrogantes éticos que plantea la subjetividad contemporánea. Las intervenciones abordan temas que van desde la relación de esta publicación científica al campo de la extensión universitaria, la potencialidad del lenguaje serial para el estudio del contexto del lazo social contemporáneo, el partenerato que constituyen el cine y psicoanálisis, hasta lo ominoso infantil, tema del próximo número del Journal. El objetivo de la presentación consiste en comunicar diferentes aspectos de una experiencia de trabajo en curso.

Ética y cine:
Una experiencia de extensión
por Juan Ernesto Brodsky , Facultad de Psicología, Universidad Católica de las Misiones.

“¿Cómo hacer para enseñar aquello que no se enseña? En esto precisamente Freud se abrió camino” (Lacan, J., 1978, p.7).

Pensar el concepto de extensión desde el psicoanálisis, implica tener en cuenta el planteo del psicoanalista francés Jacques Lacan (1953) en su escrito Función y campo de la palabra y del lenguaje, quien sostiene que esta disciplina solo podrá sobrevivir “manteniéndose en el nivel de una experiencia integral” (p.232). Esto señala la relevancia que tiene, para el psicoanálisis, en su desarrollo teórico y clínico, el intercambio con otros discursos de la ciencia y la cultura.

Las preguntas que se propone abordar este escrito son ¿De qué modo se inscribe la Revista cuatrimestral Journal Ética y Cine en las prácticas de extensión universitaria? ¿Cuál es la importancia de la revista Ética & Cine en el marco de la extensión universitaria?

Eric Laurent (2000), discípulo de Lacan y destacado estudioso de su obra, en su artículo El analista ciudadano, sostiene que el mismo debe poder salir del encierro en su reserva, para posicionarse como participativo, “sensible a las formas de segregación, (...) capaz de entender cuál es su función y cuál le corresponde ahora” (p.115).

Por su parte, Christiane Alberti (2023), Psicoanalista y actual presidenta de la AMP en su artículo La soledad de la diferencia refiriéndose al encuentro del psicoanálisis con otros discursos dice:

Eso implica conversar con otros discursos sin renunciar a la singularidad del discurso analítico y, a la vez, sin pretender enseñarles nada. Como orientaba Judith Miller a las Bibliotecas del Campo Freudiano, se trata de conversar con disciplinas afines a partir de problemas comunes y de formas de arreglo singulares. (s/p)

Entonces ¿cómo hacer del encuentro del psicoanálisis con otros discursos un acontecimiento que preserve la extimidad del psicoanálisis con relación al Otro social al hacer valer su singularidad?

Journal Ética & Cine, una Revista Académica Cuatrimestral que se inscribe dentro del Programa de extensión Psicoanálisis, Narrativas y Discurso Audiovisual, su objetivo es generar espacios de trasmisión e intercambio con la comunidad que contribuyan a la comprensión de la subjetividad contemporánea a través de diferentes narrativas y discursos audiovisuales.

Esta revista publicada en los meses de marzo, julio y noviembre de cada año es editada de manera conjunta entre miembros de la Universidad Nacional de Córdoba y de la Universidad Nacional de Buenos Aires. Los artículos que forman parte de cada número remiten a la publicación de trabajos originales de investigación o de ensayo científico, presentados en español e inglés, relacionados con la Ética Aplicada, el Psicoanálisis, Bioética, la Biopolítica y otras temáticas afines, siempre en relación al lenguaje cinematográfico.

Lo que hace a la particularidad del Journal Ética y Cine, es su estilo ensayístico que resulta un aspecto central del proyecto. En su gran mayoría, los artículos no intentan exponer un conocimiento acabado. Se trata más bien, como sostuvo Adorno (1962), de trabajos producidos por escritores que leen y lectores que escriben. En un texto dedicado al ensayo, Larrosa (2003) se refería al ensayista como alguien que ensaya su escritura cada vez que escribe y su modalidad de lectura cada vez que lee. Quizá el rasgo diferencial del Journal radique en que se le da al cine y a la televisión el mismo lugar que a los libros en la producción de esta experiencia.

Así, la apuesta cada vez de la revista es hacer pasar nuestro discurso al Otro social. Con su inserción en la Universidad se apunta en ofrecer un espacio para publicar a estudiantes y egresados interesados en la divulgación de la Ética y el Psicoanálisis en la Universidad.

Cine y Psicoanálisis
por Eugenia Destéfanis, Facultad de Psicología, Universidad Nacional de Córdoba.

De los ejes que conversamos con el equipo del Journal Ética y Cine para trabajar hoy aquí, me interesó abordar la relación, la articulación, entre Cine y Psicoanálisis bajo los interrogantes: ¿Por qué cine y psicoanálisis? ¿Qué le enseña el cine al psicoanálisis? ¿Qué relación posible?

En la Facultad de Psicología de la UNC, desde 2004 tenemos el Ciclo de Cine y Psicoanálisis que cuenta con más de 14 ediciones además de actividades satelitales y tres libros. Se trata de una apuesta constante del Psicoanálisis por dejarse enseñar e interpelar por el cine. El ciclo conforma hoy el Programa de Extensión de la Maestría en Teoría Psicoanalítica Lacaniana de la UNC que cuenta con plataformas que se extienden a las series, la literatura, los feminismos, la arquitectura y el urbanismo.

Muchos de los números del Journal Ética & Cine van en consonancia con las ediciones del Ciclo de Cine y Psicoanálisis de la UNC. En los escritos con los que contamos en el Journal, hay un consentir a poner la mirada analítica en acto para intentar capturar, apresar, una escena, un momento, un divino detalle que conmueva y permita extraer un saber sobre las subjetividades, sus síntomas, sus goces, la época. El cine es un modo de tratar lo real y cada escrito es un intento, un esfuerzo por apresar algo de ese real en juego y dejarse enseñar por lo más singular de cada película.

Como ya sabemos, cine y psicoanálisis comparten su surgimiento, a fines del siglo XIX, como respuesta al malestar de la época. Acontecimientos claves para la cultura de occidente. En 1895, mientras Freud publicaba Estudios sobre la histeria, los hermanos Lumiére en el Gran Café del boulevard Des Capucines en París llevaban adelante la primera proyección pública del cinematógrafo: “todo empezó con la llegada de un tren a una estación. La primera película de los hermanos Lúmiere imponía, naturalmente, otra magia: la reproducción extraordinaria de un evento ordinario”, afirma Roger Koza.

Desde entonces, el Cine y el Psicoanálisis sostienen una relación muy valiosa de manera reciproca, formando un nudo cada vez más fuerte. Pero no solo comparten su nacimiento, sino que tienen en común interpretar la época y sus subjetividades.

Para adentrarme un poco más en este punto, tomaré la Introducción del libro Cine y Psicoanálisis. Un partenerato posible, escrita por Mariana Gómez (2015). La cito:

Cine y Psicoanálisis, entonces, ambos productos del malestar en la cultura, se encuentran en este punto, el de la interpretación. Con encuentros y desencuentros. Como una pareja en el amor. Enlazados como se enlazan las parejas. Y donde siempre hay un fracaso: lo imposible de decir.

Con el Psicoanálisis decimos que allí donde no hay palabras, hay síntomas: hay partenaire- síntoma. (p.11)

Plantea entonces que Cine y Psicoanálisis “constituyen un partenerato sintomático” (p.11). Hablar de partenaire síntoma para el psicoanálisis, es referirse a una pareja que se forma a nivel de la pulsión, en un enlace siempre sintomático. Ante el malentendido, algo falla, y no cesa de no escribirse, es decir, hay un imposible. Pero con la contingencia, si es que esta sucede, puede haber un encuentro, y allí algo de ese no cesa de no escribirse se suspende, se detiene y algo puede ser escrito.

En la unión en el amor vía el partenaire síntoma hay algo del otro que no le es ajeno al sujeto, algo del síntoma de uno está en consonancia con el del otro. Pero como toda pareja, con esto sólo no alcanza, hay que hacerla funcionar, buscar las invenciones que den lugar a la contingencia y al encuentro para que algo se pueda escribir cada vez. Aquí estamos, 10 años después de este escrito que les traigo, apostando una vez más a este partenerato, a que algo del encuentro y del amor entre el Cine y el Psicoanálisis siga aconteciendo.

Series y Subjetividad
por Paula Mastandrea, Facultad de Psicología, Universidad de Buenos Aires.

Si bien, como comentaba Juan, la Revista recibe y publica artículos que analizan películas y series, en este simposio queríamos compartir algunas ideas en torno a las series contemporáneas, que han cobrado gran relevancia en el último tiempo.

En el año 2012 se publicó el primer número de la revista dedicado exclusivamente a “Series Televisivas”, término que problematizaremos en breve. En la editorial de este número, Mariana Gómez y Juan Jorge Michel Fariña se preguntaban: “¿cuál es el género artístico de mayor alcance mundial?” (p. 9). La respuesta, con base en los dichos del especialista en multimedios argentino-israelí Yair Dori, fue: “las novelas y series televisivas, que tienen una audiencia diaria de dos mil millones de personas” (p. 9). En ese entonces, las series televisivas comenzaban a presentarse como un relevo del cine para el público masivo, tanto por su accesibilidad, como por un aumento en la oferta de producciones de distintos géneros narrativos y de una calidad notable.

Sin embargo, actualmente cabe el interrogante respecto a si es justo continuar asociando las series al formato televisivo, especialmente desde la aparición y el auge de las plataformas de creación y distribución de contenido -entre las cuales se destacan Netflix, HBO, Hulu y Amazon. Éstas han instalado un modelo radicalmente diferente a la televisión tradicional, que se financia a través de los anunciantes, a partir de un sistema de visionado que se caracteriza por la ubicuidad y autonomía del suscriptor, ya que el usuario elige qué quiere ver, cuándo, dónde y cómo. No sólo se ha transformado el consumo, sino también los modos de producción de las series, que logran sumar gran sumar lo mejor del cine, la televisión e internet en un producto audiovisual de gran factura (Heredia Ruiz, 2016).

Tal es así que Gerard Wajcman (2019) nos propone el estatuto de la “forma serie”, entendiendo que esta funda una gramática nueva que rompe con los modos del relato propios del cine, la novela o el cuadro. La “forma-serie” instituye un “relato del mundo” que da cuenta del colapso de la época, lo cual introduce una dimensión crucial para el pensamiento ético contemporáneo (Gómez y Michel Fariña, 2012).

Wajcman (2019) afirma que “la serie no es solo un ojo abierto al mundo, sino una máquina de abrir los ojos” (p. 32). La forma-serie es profundamente actual, en tanto algo parece vincular íntimamente la serie con la época actual y, en sentido inverso, a la época actual con la serie. En este sentido, estas narrativas no se limitan a hablar del mundo, sino que la forma-serie podría ser en sí misma el lenguaje del mundo occidental tal y como va, es decir, revelando un estado de crisis permanente, sin momento de reposo. Esta crisis se explica por la imposibilidad actual de los relatos y discursos de ordenar el mundo. La hipótesis principal del autor es que la crisis es serial, y la serie es su forma. Wajcman señala que mientras que el cine construye mitos en torno a la idea de nación, la forma-serie, descontracturada, tiene una inclinación al desquicio simbólico, social, psicológico, político, desublimador y desmitificante.

De acuerdo con García Fanlo (2017) en el pasado las series guardaron el estilo de las historias de Hollywood, con sus juicios, su puesta en escena, su melodrama estandarizado y sus biotipos bien definidos, edades, géneros, raza, color o religión. Es decir, presentaban una realidad maquillada y edulcorada para transmitir determinado modo de vida. Sin embargo, lo que hoy ocurre, especialmente en las producciones de las plataformas de streaming, es una construcción etnográfica y sociológica de la realidad, a través del asesoramiento de investigadores, académicos e incluso líderes de movimientos políticos y/o sociales. Las series contemporáneas se definen por la extrapolación, a las estructuras narrativas, de los discursos políticos, ideológicos y sociales dominantes que construyen nuestra visión y modo de existencia en el mundo actual.

Que una obra lleve marcas de su tiempo es una idea aceptada, por lo que el rasgo distintivo de la serie consiste en su posibilidad de traducir una época y, a la vez, tener el poder de darle forma, en el sentido de hacerla visible o legible para sí misma, descifrable (Wajcman, 2019).

Esto ha motivado que estas producciones desborden las pantallas para permear distintos ámbitos de pensamiento, lo que se ve reflejado en el surgimiento de publicaciones importantes, la organización de congresos en las mejores universidades, y el número en aumento de tesis de pregrado y posgrado al respecto.

En la Facultad de Psicología de la UBA dictamos una Práctica de Investigación sobre Cine y Subjetividad, que forma parte de la currícula electiva de la carrera. Allí proponemos el estudio de distintas problemáticas de la Psicología a través del cine y las series, y es llamativo notar cómo las series se han instalado con gran presencia entre los estudiantes.

Además, en un proyecto articulado entre distintas Facultades de la UBA se llevó a cabo una propuesta de enseñanza de cuestiones controvertidas de la ciencia y la tecnología a partir de la popular serie Black Mirror, creada en el año 2011 por Charlie Brooker y que este año ha tenido su última temporada. Como resultado, se publicó el libro “Lo negro, lo blanco, lo neutro” Black Mirror: Ética y Política de las distopías.

Como antecedente local, en el año 2019 tuvo lugar la I° Edición de “Síntomas Sociales en las Series de TV del Siglo XXI”, un Curso Masivo Online (MOOC) perteneciente al Programa de Extensión “Psicoanálisis y Discurso Contemporáneo”, llevado adelante por la Maestría en Teoría Psicoanalítica Lacaniana de la Universidad Nacional de Córdoba (Tomasetti, 2019). La propuesta surgió de la amplia trayectoria del equipo en el trabajo con series desde una perspectiva psicoanalítica, y la posibilidad de generar transferencia a la comunidad.

Además de la publicación en el año 2021 del libro compilado por Juan Pablo Duarte Spoilers del presente: ver series para ser de nuestra época, que reúne artículos, entrevistas y conversaciones que surgen de una extensa red de investigadores que en la última década se dedicaron a hacer de las series un instrumento para hablar de nuestro presente.

Estos son solo algunos antecedentes del último tiempo. Desde el Journal invitamos a autores/as y lectores a adentrarse en estas “máquinas de abrir los ojos” que son las series para reflexionar en conjunto acerca de la subjetividad de época.

Lo ominoso infantil De muñecas de trapo y ojos de botón
por Gigliola Foco, Facultad de Psicología, Universidad Nacional de Córdoba

“Con las imágenes se hace un juego puro de combinaciones, pero ¿qué efectos de vértigo no se obtienen acaso de ello? Con las combinaciones, uno levanta el mapa de toda suerte de dimensiones virtuales, pero son ellas las que dan acceso a la realidad a fin de cuentas la más asegurada, la de lo imposible vuelto de repente familiar”
(Lacan, 1966. Homenaje a Lewis Carroll).

Lo ominoso infantil es el nombre que llevará el nuevo número de la Revista Académica Cuatrimestral Journal Ética y Cine, coeditada por la UNC y la UBA, a publicarse en el mes de noviembre de este año. Cada uno de sus artículos resulta una invitación a ubicar el modo en que las fuentes cinematográficas, como el cine y las series de televisión, como así también la literatura producen y nos permiten trabajar el concepto de lo unhemlich, acuñado por Sigmund Freud en su escrito “Lo siniestro” (1919).

Este concepto remite a “lo íntimo-hogareño que ha sido reprimido y ha retornado de la represión”. Aquello familiar de un sujeto, que debería haber quedado oculto, se manifiesta, sale a la luz. Se trata entonces de una “suerte de espanto que afecta a las cosas conocidas y familiares”, con su efecto angustiante.

Freud menciona que lo siniestro en la ficción, en la fantasía, en la obra literaria, y podríamos agregar en el cine y las series de televisión, merece en efecto un examen separado. “Ante todo, sus manifestaciones son mucho más multiformes que las de lo siniestro vivencial, pues lo abarca totalmente, amén de otros elementos que no se dan en las condiciones del vivenciar”.

De esta forma, nos recuerda a Ernest Hoffman, un poeta que ha logrado provocar los efectos siniestros a través de su cuento “El Hombre de la Arena”, aquel hombre malo que viene a ver a los niños que no quieren dormir, les arroja puñados de arena en los ojos haciéndolos saltar ensangrentados, luego se los guarda en una bolsa y se los lleva como pasto para sus hijitos.

Esta narración incluye entre sus líneas un detalle que Freud no dejará pasar, la aparición de una figura femenina en una ventana que no le permite al lector determinar con rapidez si se trata de una persona o un autómata.

En su Seminario X, Jacques Lacan (1962-1963) invita a pensar la experiencia de lo ominoso a partir de las ficciones:

no en vano Freud insiste en la dimensión esencial que da el campo de la ficción a nuestra experiencia de lo unheimlich. En la realidad, ésta es demasiado fugitiva. La ficción la demuestra mucho mejor, la produce incluso como efecto de una forma más estable porque está mejor articulada. Es una especie de punto ideal, pero cuan precioso para nosotros, ya que nos permite ver la función del fantasma. (p.59)

Así, Lacan retomará el análisis lingüístico que hace Freud sobre el término unhemlich para ubicar en su definición el punto de Heimlich, es decir, de íntimo, familiar, “la casa del hombre”. Lo Unheim, espantoso, horroroso, se encuentra entonces en el punto del Heim, que Lacan remite a la castración y al menos phi.

Dirá: “lo horrible, lo oscuro, lo inquietante, todo aquello con lo que traducimos, como podemos, en francés, el magistral unheimlich del alemán, se presenta a través de ventanillas. Es enmarcado como se sitúa el campo de la angustia. (…) Hay angustia, cuando surge en este marco lo que ya estaba ahí, mucho más cerca, en la casa, Heim (Lacan, p 86-87).

El punto de Heim remite entonces a que el deseo entra en el antro donde es esperado desde toda la eternidad bajo la forma del objeto que se es, en tanto que él exilia de la propia subjetividad.

Es así que, para poder pensar la extrañeza radical que produce la imagen femenina que el protagonista ve a través de la ventana en la ficción de Hoffman, Lacan introduce al ojo del héroe del cuento, ojo que le quieren arrebatar a lo largo de toda la trama.

Podemos pensar que Freud ubicaba este punto que Lacan recorta y conceptualiza con su objeto a, en este caso el objeto mirada en su esquizia con el ojo, diciendo: la experiencia psicoanalítica nos recuerda que herirse los ojos o perder la vista es un motivo de terrible angustia infantil. Este temor persiste en muchos adultos, a quienes ninguna mutilación espanta tanto como la de los ojos. ¿Acaso no se tiene la costumbre de decir que se cuida algo como un ojo de la cara? (s/p.)

En este punto, podemos introducir el factor infantil al cual Freud recurre para esclarecer la génesis del sentimiento ominoso. Así, ubica que, la soledad, el silencio, la oscuridad, ¿y las muñecas? tanto como el temor por la pérdida de los ojos, remiten a la angustia del complejo infantil de castración.

Aquí me detengo por un momento en una película animada que “lo ominoso infantil”, como título del número del Journal, me hizo pensar: “Coraline y la puerta secreta” (2009), dirigida por Henry Selick, que curiosamente es criticada como “horrorosa”, “una película que los niños no deberían ver”. ¿Por qué no? ¿Qué podemos ubicar como ominoso en esta película? Recorto un detalle.

Durante la trama, un Otro mundo se hace presente, a través de una puerta. La niña es guiada hacia él. Sin embargo, esa puerta la lleva nuevamente a la sala de su casa, y al entrar a la cocina encuentra a su madre, pero al girarse esta, descubre en el lugar de sus ojos, dos botones cosidos. Muñecas de trapo, sin ojos, arrebatados por Otra madre bruja.

Con Lacan, podemos pensar que las ficciones infantiles, los cuentos, los mitos, las películas y las series, permiten un tratamiento del lugar del Heim, como “lugar de la aparición de la angustia” (p.60).

Mariana Gómez, en su texto “Viene el Cuco ¡y a despertar!”, ubicará al Cuco y al Hombre de la Bolsa, como las versiones latinoamericanas del Hombre de la Arena de Hoffman, con la salvedad de que, en estos casos, lo que se pone en juego es el objeto oral a partir de la amenaza de ser comido. Mitos infantiles buscan tocar lo real que subyace en el sentimiento ominoso de ser estragado o devorado por el Otro.

Finalizaré esta intervención con un pasaje de Lacan en su Proposición del 9 de octubre donde ubica la importancia que han tenido para la obra de Freud, y para la suya, las referencias mencionadas:

El psicoanálisis tiene consistencia por los textos de Freud, este es un hecho irrefutable. Es sabido lo que, de Shakespeare a Lewis Carroll, aportan los textos a su genio y a sus practicantes.

Este es el campo en el que se discierne a quién admitir para su estudio. Es aquel donde el sofista y el talmudista, el propalador de cuentos y el aedo, han tomado la fuerza que a cada instante nosotros recuperamos, más o menos torpemente, para nuestro uso (p.269)

Referencias

Adorno, T.W. (1962). “El ensayo como forma”. En Adorno, T. W. (1962). Notas de literatura. Buenos Aires: Airel.

Duarte, J.P. (2021). Spoilers del presente. Ver series para ser de nuestra época. Universidad Nacional de Córdoba.

Freud, S. (1919) “Lo ominoso”. En Obras Completas. Volumen XVII. Buenos Aires: Amorrortu editores.

García Fanlo, L. (2017). Regularidad y discontinuidad entre teleseries clásicas y actuales. En G. Capello (Ed.) Ficciones cercanas: televisión, narración y espíritu de los tiempos. Perú, Universidad de Lima: Fondo Editorial. 21-31.

Giraldo, M. “La soledad de la diferencia”. Editorial Lacan 21 nº13 18 de mayo de 2023. Disponible en https://www.lacan21.com/ sitio/la-soledad-de-la-diferencia/

Gómez. M. (2015) Cine y Psicoanálisis: Un partenerato posible. Córdoba: Alción.

Gómez, M. (2019). “Viene el Cuco ¡y a despertar!” En Revista Lacaniana de Psicoanálisis. El Factor Infantil Nº26. Publicación de la Escuela de la Orientación Lacaniana. Buenos Aires: Argentina.

Gómez, M. y Michel Fariña, J.J. (2012). Editorial: Series: una interpretación del síntoma. Ética y Cine Journal, 2(2), pp. 9-10.

Heredia Ruiz, V. (2016). Revolución Netflix: desafíos para la industria audiovisual. Revista Latinoamericana de Comunicación, (135), pp. 275-295. ISSN 1390-1079 / e-ISSN 1390-924X

Koza, R. (2008) Sobre la magia del cine. Disponible en: http://www.conlosojosabiertos.com/sobre-la-magia-del-cine/

Lacan, J. (1966 [2019]). Homenaje a Lewis Carroll. En Revista Lacaniana de Psicoanálisis. El Factor Infantil Nº26. Publicación de la Escuela de la Orientación Lacaniana. Buenos Aires: Argentina.

Lacan, J. (1953). “Función y campo de la palabra y del lenguaje en psicoanálisis”. Escritos I. Buenos Aires: Biblioteca Nueva. Siglo XXI editores.

Lacan, J. (1967). “Proposición del 9 de octubre de 1967 sobre el psicoanalista de la Escuela” en Otros escritos. Buenos Aires: Paidós.

Lacan, J. (1971-72). “La angustia” El seminario de Jacques Lacan. Libro 10. Buenos Aires: Paidós.

Larrosa, J. (2003). “El ensayo y la escritura académica”. En Larrosa, J. (2003). Propuesta educativa. Año 12. Buenos Aires

Laurent, E. (2000). Psicoanálisis y Salud Mental. Buenos Aires: Tres Haches Ediciones.

Michel Fariña, J.J. y Salomone, P. (2020). Lo negro, lo blanco, lo neutro. Black Mirror: ética y política de las distopías. Letra Viva.

Wajcman, G. (2019). Las series, el mundo, la crisis, las mujeres. UNSAM EDITA.

De Truman Show a Black Mirror: I.A. Omnivoyeur

Juan Jorge Michel Fariña, Eduardo Laso, Paula Mastandrea — 2023-07-07T14:10:54Z

Universidad de Buenos Aires

En una de sus más bellas y complejas obras, el artista holandés M.C. Escher nos presenta este grabado:

La imagen representa a un joven, abajo a la izquierda, que se encuentra al interior de una galería de arte, contemplando una de las litografías que integra la muestra, la cual se continúa con otras obras hacia la derecha. El cuadro que observa es una imagen del puerto de la ciudad de Malta. Vemos un buque amarrado en primer plano, una franja de agua, y atrás los edificios costeros. Advertimos entonces que en esa parte de paisaje Escher amplifica y distorsiona la escena. ¿Por qué? Para poner el acento en un punto diminuto de uno de los edificios, el cual mirado atentamente revela que se trata del mismo en el que se encuentra el propio joven que observa la imagen… y si aguzáramos el ojo descubriríamos en él una vez más al joven, observando el grabado del cual forma parte. Y así de manera recursiva en una puesta en abismo infinita. [1]

El cine ha sacado amplio provecho de estas paradojas, a la vez visuales y conceptuales. Este número del Journal está dedicado a una de ellas. Se trata del 25 aniversario del estreno de una variación del tema de la película dentro de la película: el film The Truman Show. Los espectadores en la sala de cine vemos una película que es en realidad un programa de televisión que está siendo transmitido las 24 horas… que a su vez muestra la “vida real” de un sujeto que se llama Truman. Los distintos planos se organizan de manera tal que el propio goce del espectador se funde con el de la audiencia del programa. [2] ¿Cómo salir de este bucle? Todo el film es la historia de ese acto. El que debe producir el propio Truman para no quedar atrapado para siempre en esa escena repetida sobre sí misma una y otra vez.

Para abordar este asombroso movimiento hemos incluido cuatro trabajos. Dos de ellos son la reedición, dos décadas después, de sendos escritos de Eduardo Laso y Juan Jorge Michel Fariña, publicados originalmente en ocasión del estreno del film. A estos dos clásicos se le suma una puesta al día de los propios autores sobre los antecedentes y consecuentes de la obra de Peter Weir. El escrito incluye un apartado sobre la más reciente secuela del Truman Show, el homenaje de Charlie Brooker en la temporada 6 (junio 2023) de Black Mirror. Completa el bloque un escrito de Álvaro Fuentes Lenci desde la Universidad de La Plata, el cual pone el film de Peter Weir en interlocución con la obra de Freud y con el experimento de Stanley Milgram.

Y como habitualmente, la revista incluye excelentes contribuciones, que en este número llegan desde universidades de Estados Unidos, Colombia y Ecuador, confirmando el interés que despierta en el ámbito académico el diálogo entre ética y cine. Veamos un anticipo.

En su artículo “Los paisajes del duelo: espacios de pérdida en la costa argentina” Rocío Gordon, desde la Universidad Christopher Newport, recupera tres películas que se emplazan en la costa atlántica –Pinamar (Godfrid, 2016), Las olas (Dagatti, 2017) y Los miembros de la familia (Bendesky, 2019)– y explora los alcances del fallecimiento de la madre en sus protagonistas. La hipótesis de la autora es que el retorno a un lugar transitorio y la materialidad del paisaje se presentan como formas cinematográficas y narrativas de representar la dislocación del yo ante una ausencia.

Tenemos luego “Psicoanálisis en el cine y el teatro. El revés del mensaje entre el director y el espectador como antítesis del discurso científico”, de Carlos Alexis Cabrera Kahuazango, investigador de la Universidad de Nariño/Pasto y la Universidad San Buenaventura. En este texto el autor propone revisar la relación entre una disciplina teórica y este tipo de narrativas audiovisuales como respuesta contracultural al discurso científico actual. Para ello, parte de interrogarse cuáles son los trabajos psíquicos que realizan el director y el espectador ante una película; recorrido que expone principalmente a través de la obra de Freud y Lacan.

En “El origen cinematográfico del colonialismo en Haití: ‘WHITE of ZOMBIE'” Xavier Brito Alvarado, Adriana Rodríguez Caguana y Diego Jadán, desde Ecuador, reflexionan sobre el “cine zombie” y su valor para analizar el colonialismo como discurso histórico aún vigente en las sociedades. El texto comienza con un recorrido histórico de la figura del zombie como imaginario del mundo, que se completa con la revisión de la primera película de esta temática: White Zombie (Halperin, 1932).

En el artículo “El deseo, cuestión existencial, estética y filosófica”, el investigador colombiano Carlos Germán Juliao Vargas explora desde la disciplina filosófica la temática del deseo y su relación con el amor y la pasión. El autor focaliza en el film de Luis Buñuel Ese oscuro objeto del deseo (1977), el cual cataloga como una película que “frustra las interpretaciones, desafía nuestra mirada racional y desenfoca las pistas”. Es por ello que en el texto se exploran distintas perspectivas de esta narrativa a partir del abordaje de autores clásicos y contemporáneos de la filosofía y el psicoanálisis.

Para el cierre, dos aportes desde la Universidad de Buenos Aires. En “El uso del cine como pasador de lo real en la película documental Lemebel”, Isabel Reyes Mosquera analiza el modo a través del cual el arte performático que el artista y escritor chileno realiza con su cuerpo transmite un mensaje al espectador. Para ello, recupera los tres registros lacanianos: real, simbólico e imaginario y propone su lectura sobre el modo en que el cine permite bordear lo real a través de lo imaginario.

Y en “El arte total de Eisenstein: la ideología detrás de Lo viejo y lo nuevo” Tomás Viera, investigador de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, analiza clásicos del cine soviético con el fin de explorar cómo las tensiones ideológicas de fines del siglo XIX en Rusia pudieron manifestarse más allá de las voluntades aparentemente opuestas del arte y la política. El autor se apoya en la teoría lacaniana sobre el inconsciente y expone cómo se presenta el ideal del yo bolchevique en distintas escenas del film.

Como se puede apreciar, una producción heterogénea y atrapante que aborda el cine desde la filosofía y el psicoanálisis, pero también desde la teoría anticolonialista, el lenguaje teatral y la dislocación formal en el arte y en la política.

¿Cuál es, en este contexto, el lugar de la ética? Volviendo a Truman, se trata del acto. De cómo rescatar el acontecimiento subjetivo frente al atolladero teórico y político de la época. Que una serie de culto como Black Mirror haya advertido el punto resulta interesante. Porque le da la razón a Harari (2018) cuando dice que “desde una perspectiva política hoy es más valiosa una película de ciencia ficción que un artículo en Nature o Science”. ¿En qué sentido hay que leer la frase? Por cierto, no en su versión derrotista, sino en la de otorgar a narrativa poética, como al psicoanálisis, el lugar de refugio del sujeto frente a la formalización lógica de la ciencia. Formalización de la pura sintaxis que promueve un atolladero teórico en el que se confunden y pierden apocalípticos e integrados.

Este número de Etica&Cine Journal, que incorpora a Eduardo Laso como editor invitado, ofrece algunas claves para salir de tal atolladero. El mismo que debió sortear Lacan cuando en los años 50 del siglo pasado Turing inventó la primera computadora. Frente a la inquietud de uno de sus discípulos, ofreció esta respuesta, que por cierto mantiene toda su vigencia:

Nada de sentimientos. No vaya a decir que la máquina es una malvada y estorba nuestra existencia. No se trata de eso. La máquina es únicamente la sucesión de los pequeños 0 y los pequeños 1. Y, además, el problema de si es humana o no está totalmente resuelto: no lo es. Sólo que también hay que averiguar si lo humano, en el sentido en que usted lo entiende, es tan humano. (Lacan, 1977, P. 471)

Referencias

Harari, Y.N. (2018). 21 lecciones para el siglo XXI. Debate.

Lacan, J. (1977). El Seminario: Libro 2 "El yo en la teoría de Freud y en la técnica
psicoanalítica". Paidós, 1983.

[1] La obra de Escher se titula justamente “Galería de grabados” (1956). El “efecto Droste” de recursividad en abismo se puede observar claramente en la siguiente animación: https://www.youtube.com/watch?v=9WHdyG9mJaI&ab_channel=EscherGranada

[2] Una idea similar acaba de proponer Charlie Brooker con el primer episodio de la nueva temporada de Black Mirror “Joan is Awful”, un homenaje al film de Peter Weir presentado también bajo la figura de puesta en abismo.

Integridad en el cine

Juan Jorge Michel Fariña, Mariana Gómez, Paula Mastandrea — 2023-02-27T13:11:33Z

El término “integridad” viene del latin integer, cuya primera aparición data de1223. Integer, significa “entero”, “intacto”, en el sentido de “restituir algo en su integridad” –la expresión es de 1495–. El sustantivo “integridad”, que reconoce la misma raíz en la versión anglosajona “integrity”, atiende por lo tanto a la cualidad de aquello que se entrega, que debe ser/estar entero, completo.
Joan Corominas, Diccionario etimológico de la lengua castellana

La fuente que nos ofrece Corominas introduce ya el núcleo del problema: ¿puede el ser humano, fallado por naturaleza, ser completamente íntegro? En el campo de los números resulta sencillo establecer la diferencia entre un integer (“entero”) y una “fracción”, fractio, pero cómo hacerlo con los seres hablantes. ¿Puede el cine ayudarnos a pensar esta espinosa cuestión?

Este número del Journal explora el problema, siguiendo la lógica del doble movimiento de la ética contemporánea. El primero, va de las intuiciones morales que todo el mundo tiene sobre lo que está bien y lo que está mal a los parámetros éticos que hoy rigen las prácticas institucionales. Tomando como referencia la industria del cine, un ejemplo paradigmático es la condena al productor cinematográfico y ejecutivo estadounidense Harvey Weinstein, que puso un límite a las situaciones de acoso, abuso sexual e incluso violaciones que eran moneda corriente en el ambiente. En la lógica de este primer movimiento, el Me Too marcó un punto de no retorno. [1]

El segundo movimiento es el que se produce al interior mismo del acto creador. Allí la “integridad” no puede ser medida a partir de un código de conducta, sino que supone una lectura de la obra en su singularidad, para ponderar la fidelidad o no al arte que dice plasmar en la pantalla. [2]

Tres artículos exploran el primer movimiento

El primero de ellos se titula “La integridad en tres relatos. Ensayo sobre ética profesional”. Allí María Marta Preziosa, desde la Pontificia Universidad Católica, ofrece un análisis profundo de la ética empresarial a partir de tres personajes de ficción que distingue como “carentes de integridad”: Mulá Nasrudín, protagonista de la fábula sufí, Narciso, protagonista del mito griego antiguo y Walter White, personaje principal de la serie Breaking Bad.

Amanda Meléndez Taboa, de la Universidad Nebrija, Madrid, también se enfoca en el ámbito empresarial en su artículo “Ficciones corporativas surcoreanas, modelos de liderazgo y ética cordial”. Tal como lo indica su título, la autora propone un recorrido por dos ficciones televisivas que se centran en visibilizar a mujeres profesionales surcoreanas –Luces nocturnas (2016) y Search: WWW (2019)– para analizar modelos de liderazgo y propuesta ética.

El tercero de estos artículos indaga otro campo de interés vinculado con la audiodescripción, es decir, el sistema de apoyo a la comunicación que favorece que las personas con discapacidad visual disfruten del arte. En “Análisis de la norma UNE 153020 sobre audiodescripción ¿Debería modificarse tras diecisiete años de vigencia?” Miguel Angel Font Bisier, desde la Universidad Jaume I, Castellón, explora este interrogante a través de un repaso por los estándares de calidad de la norma UNE, vigente en España desde el año 2005, en comparación con otras guías y regulaciones internacionales sobre el tema.

Respecto del segundo movimiento, este número del Journal propone cuatro piezas de estudio.

En la primera de ellas, “Álex de la Iglesia y las escenas de altura. Simbología del espacio desde la narrativa”, Marcos Jiménez González, de la Universidad de Salamanca, ofrece un recorrido por las escenas de altura en la obra del reconocido cineasta con el fin de analizar el tipo de significado y sentido que tienen en cada caso. Para ello, se apoya en la tradición cultural y cinematográfica occidental y la judeocristiana, así como los pensamientos de Platón y Aristóteles.

En la segunda, el artículo de Felipe Arthur Muñoz Becerra, de la Universidad Católica de la Santísima Concepción, Chile, “La perspectiva deleuziana del cine como medio para volver a creer en el mundo. Un análisis desde la filmografía de Peter Weir”, trabaja sobre las películas La sociedad de los poetas muertos (1989) y The Truman Show (1998) para indagar la proximidad de estos filmes con la misión encomendada por Deleuze al cine: filmar la conexión entre el humano y su mundo.

Las dos últimas son contribuciones desde Argentina: el texto de Eduardo Laso sobre las dos versiones canónicas de Edipo Rey, y una nueva lectura del ya multipremiado film Argentina, 1985, a cargo de María Elena Domínguez y Lucía Amatriain.

Sobre el Edipo Rey, la tesis de Eduardo Laso es que no se puede pretender atrapar cinematográficamente el espíritu de la tragedia griega por filmarla en el lugar donde se la representara por vez primera. Este esfuerzo por recrear el pasado, termina paradójicamente ampliando la distancia que hay entre la obra y nuestra contemporaneidad. Tampoco la presencia de estrellas de Hollywood para alcanzar un público masivo ayuda a lograr la evocación de tal pasado. Ocurre que lo que otorga carácter clásico a la tragedia es el núcleo real que persiste en ella, el cual se sostiene en el tiempo, lo que permite que pueda ser representada en diferentes contextos y épocas. La propuesta de Pier Paolo Pasolini se inscribe en esta línea: no pretende verosimilitud de escenarios, sino fidelidad al mito.

Respecto de Argentina, 1985, Domínguez y Amatriain proponen un original anudamiento entre los tres filmes argentinos nominados por la Academia: La historia oficial, El secreto de sus ojos, Argentina 1985. A la manera de una trenza lacaniana, cada una de ellas se enlaza con las otras dos, abriendo con esta lectura una fructífera línea de pensamiento.

Al respecto, y poniendo a trabajar las hipótesis de las autoras, se podría pensar que La historia oficial es la versión imaginaria: tanto narrativa como cinematográficamente, apela a la identificación directa con los personajes, que, salvo el de Chunchuna Villafañe, se corresponden siempre a estereotipos. El secreto de sus ojos introduce la cuestión de lo real –es la única de las tres que muestra el asesinato, con el plano secuencia de Liliana Colotto, pero sobre todo en la pavorosa escena de la ejecución del personaje de Francella por la Triple A. Finalmente, Argentina 1985 se propone como el abrochamiento simbólico de la historia, con la sanción, en la condena a las cúpulas militares, de los crímenes anteriores. Pero como es de evidencia, la trenza no cierra... no queda asegurada y hay hebras que se sueltan.

Es que en rigor los tres registros se juegan en cada una de las películas mencionadas. Lo que nos lleva a pensar el foco de cada registro a partir de la coyuntura histórica de su realización. Y dado que las hebras no logran anudar del todo, se pueden pensar también las tres películas como intentos de anudamientos de suplencia de lo que está no ligado, como intentos de anudamientos, al modo de una suplencia de lo que no hay: la apropiación ilegal de menores y el no saber para la primera película, la impunidad para la segunda, y las leyes del perdón en la tercera, hechos que quedan fuera de escena, desanudando lo que podría haber permanecido anudado. Será el devenir de la historia el que nos confronte con la posibilidad o no de un anudamiento que haga las veces de una suplencia.

Finalmente, este número es rico en reseñas de libros, mostrando el auge editorial de los abordajes del cine para dar cuenta de lo contemporáneo.

Ante todo, el libro Notas de viaje: Diálogos de bioética y cine en tiempos de Pandemia, compilado por Boris Pinto-Bustamante y Felipe Ramirez-Gil. La obra fue editada en 2022 por la Universidad El Bosque, de Colombia, y cuenta con la participación de importantes referentes del Colectivo Iberoamericano de Bioética y Cine. Publicado a dos años del inicio del flagelo del Covid-19 es sin dudas el trabajo más cuidado sobre las contribuciones del cine a la comprensión de este fenómeno epidemiológico global. Por gentileza de sus compiladores, se incluye, completa, la presentación de este valioso volumen.

En segundo lugar, Montajes del cuerpo. Cine, series y psicoanálisis, una compilación de María Pía Marchese y David Albano González, editado por Grama en 2023, retoma la tradición de estudios sobre cine y psicoanálisis que distingue a la Universidad Nacional de Córdoba. En una lograda capacidad de síntesis, medio centenar de autores presentan sus escritos organizados en tres ejes: 1. El objeto en el cénit social: imperativos del siglo XXI; 2. Devenires de la sexualidad: identidades, diversidades y lazos y 3. Cuerpos y armaduras.

Cierra la serie de reseñas “Padres en el cine: películas en interlocución”, de Eduardo Laso, uno de los libros más esperados de 2022. La obra fue seleccionada por el comité editorial de la colección Lecturas éxtimas de Fundación Medifé Edita, a cargo de Mariana Trocca, y como es tradición en las publicaciones de esa prestigiosa editorial, se distribuye sin cargo tanto en versión impresa como online.

Finalmente, dos palabras sobre la imagen de tapa y banner de este número. Se trata de un fotograma de Edipo Re, de Pier Paolo Pasolini, director cuyo centenario acabamos de conmemorar. Su visión cinematográfica del mito griego expresa muy bien la dialéctica entre lo que cambia y lo que permanece. Si 2.500 años después de su escritura por Sófocles podemos seguir disfrutando de ese clásico, es gracias a la integridad de su concepción. Integridad que radica, justamente, en plasmar en la pantalla la falla estructural de la condición humana.

[1] Respecto de Weinstein y del movimiento MeToo que lo enfrentó, ver el esclarecedor artículo de Jean-Claude Milner en el volumen 10 (1) del Journal: https://journal.eticaycine.org/Reflexiones-sobre-el-movimiento-Me-Too-y-su-filosofia

[2] Este doble movimiento de la ética se puede ver en la trama del premiado film TÁR. A la eximia directora de orquesta Lydia Tár se la acusa de abuso sexual (y encubrimiento de los hechos), por un lado, y de humillación de sus estudiantes y músicos, por otro. Lo primero parece ser un dato probado, en cuyo caso existen sanciones que deben ser necesariamente aplicadas. Lo segundo es más delicado, porque está en juego el singular estilo del artista a la hora de enseñar o conducir una orquesta. Desconocer esta diferencia arriesga arrasar a la vez con la integridad ética y con el arte.

Meta-memoria y roboética

Juan Jorge Michel Fariña, Paula Mastandrea — 2022-07-07T12:58:50Z

¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, la consagrada novela de Philip K. Dick en la que se basó el film Blade Runner, cumplió sus jóvenes 50 años… como así también llegará pronto el cumplesiglo de Metropolis, de Fritz Lang, estrenada en 1927. En ambas ficciones se nos confronta con mujeres androides, o más exactamente con la pregunta por la verosimilitud de sus recuerdos: ¿tienen Rachel y María meta-memorias?

Y siguiendo con los aniversarios, se cumplen este año los treinta de la publicación, en 1992, de la novela “Snow Crash”, de Neal Stephenson, en la que apareció por primera vez el neologismo “metaverso”. Como se sabe, el término está integrado por el prefijo griego “meta” (μετά), que significa "después", "más allá", y la palabra latina “verso”, que remite a “línea”, “surco”, con su variante “versare” (dar vueltas), señalando la idea de “movimiento” y “cambio”. [1] Stephenson sacó así provecho de este híbrido de raíces greco-latinas, para animar a un personaje de ficción, Hiro, que era durante el día repartidor de pizzas… y de noche un samurái en el espacio virtual. ¿Es el avatar de Hiro un androide digital?

En el campo de la filosofía y el psicoanálisis, el prefijo “meta” evoca dos obras cumbre del pensamiento: la Metafísica, de Aristóteles y la Metapsicología, de Sigmund Freud. Ya desde su primer modelo de aparato psíquico, Freud hacía una distinción crucial: por un lado, las huellas mnémicas, y por otro la evocación de un suceso del pasado en la consciencia, estableciendo que el inconsciente se vale de las huellas mnémicas, no para recordar sino como recurso para semi-decir una verdad que concierne al deseo rechazado por el Yo.

Como lo sugiere Eduardo Laso en un recordado artículo de nuestro Journal, “La memoria –personal y social– está inscripta en huellas que testimonian del pasado. Y es la historia la encargada de volver esas huellas un discurso. Cómo se leen las huellas hace al campo de las diversas interpretaciones del sentido del pasado, las que no escapan a la trama de los deseos, ideales y fantasmas inconscientes –sean del sujeto o de una comunidad–.” [2]

Este número de Ética & Cine Journal propone un contrapunto en torno a la memoria a partir de cinco artículos. El primero de ellos abre el juego, introduciendo el concepto de “meta-memoria”, entendido aquí como el gesto humano por excelencia: hacer presente el pasado para rememorarlo como legado hacia las generaciones futuras; los otros cuatro dan cuenta del intento, por parte de la ciencia, de crear una memoria artificial.

El texto “La banalidad del olvido. Meta-memoria en el cine de los 2020's”, de Israel Roncero Villarón, propone un análisis transversal de tres producciones cinematográficas en torno a la temática de la memoria histórica. A través de los filmes Conferencia (Tverdovskiy, 2020), Maixabel (Bollaín, 2021) y Madres paralelas (Almodóvar, 2021) se analizan las posturas morales de los personajes sobre la necesidad de preservar la memoria histórica o dejarla en el olvido. Para ello, se toman aportes de la filosofía con el fin de superar el debate moral e indagar las implicaciones éticas que se presentan en la forma de abordar la memoria y el olvido. [3]

Del lado maquinal, se despliega la tensión a partir de cuatro perspectivas sobre los androides en el cine.

En primer lugar, desde Colombia, María Paola Caycedo-Castro y Boris Julián Pinto-Bustamante nos acercan una lectura sobre el problema de la interacción entre seres humanos y la inteligencia artificial a partir del test de Turing tal como aparece puesto a prueba en el film Ex Machina. Para ello, se consideran las principales perspectivas en relación con la filosofía de la mente y se propone un recorrido con distintas hipótesis sobre el comportamiento de Ava, la robot humanoide que protagoniza el film.

Le sigue el artículo titulado “You woke me up”: el encuentro con el goce femenino como condición de duelo en Her, de Spike Jonze”, donde Gabriela Saito Gutiérrez aborda este ya clásico protagonizado por Joaquin Phoenix. La autora propone como hipótesis que el film Her se posiciona como la representación contemporánea del goce o jouissance femenino. Para ello propone una lectura personaje principal y del programa de inteligencia artificial con el que interactúa, así como de la sociedad representada en el film.

Luego, Claudia Suárez explora las figuras del Ciborg, tanto reales como ficticias, a través de diferentes narrativas: obras de literatura, cine de ficción y cine documental. El artículo “Ciborgs ficticios y reales: notas sobre literatura, cine, tecnociencia y psicoanálisis” trabaja sobre los procesos de idealización e identificación en torno a estas figuras. Para ello, se realiza un desarrollo histórico de la tecnociencia, un análisis ético de sus implicancias y el abordaje de algunos conceptos del psicoanálisis.

Finalmente, el artículo “La gran pantalla como laboratorio y espejo para la roboética” José Miguel Biscaia Fernández también propone un análisis transversal de diferentes filmes de ciencia ficción que permiten reflexionar sobre los desafíos éticos y sociales de la robótica y la inteligencia artificial. El autor expresa que los ejes de análisis son principalmente tres: los riesgos (y mecanismos de seguridad vinculados) de la tecnología cibernética y de la robótica; los derechos y deberes asociados a la implantación de la IA y la robótica; y las consecuencias ético-sociales del advenimiento de una IA interactiva. [4]

Lo cual nos retrotrae nuevamente al metaverso, que aspira de manera temeraria y en la vida real, a relativizar las fronteras, como lo testimonia la apropiación del término por Marc Zuckerberg para designar al internet del futuro. Así lo expresa el uso de la banda de Moebius, la conocida figura topológica en la que desaparece el borde entre lo exterior y lo interior, que identifica a esta nueva etapa de su empresa. [5]

Curiosamente, es también la banda de Moebius, la que domina la escenografía de una reciente puesta de la ópera Nabuco en el teatro Colón de Buenos Aires. La memoria del pueblo hebreo es evocada por esta potente figura que se cierne sobre el coro multitudinario del “Va pensiero” de Giuseppe Verdi.

Así, Moebius nos confronta, imprevistamente, con dos perspectivas sobre el tema de la memoria: de un lado, la memoria histórica, con su valor ético-político; del otro la pretendida disolución del límite entre la realidad tangible y la digital por parte de la ciencia. Se introduce así el verdadero dilema: cómo sustraerse a la omnipresencia de la llamada realidad virtual y recuperar la dimensión social e histórica de una memoria genuinamente transformadora.

* * *

En una segunda sección este número del Journal incluye un dossier de tres artículos sobre el film La hija perdida, basado en la novela de Elena Ferrante. Para ello se recupera en primer lugar un artículo de la psicoanalista Emilse Pérez Arias publicado originalmente en la revista Topía. Se propone allí un análisis de la película a partir de la lectura lacaniana.

En esta misma línea se inscribe el artículo “La ocasión perdida. Comentario de The lost daughter, de Maggie Gyllenhaal”, en el que Eduardo Laso profundiza la cuestión de la posición deseante de la protagonista.

Un tercer artículo sobre el tema tiene como autora a Natacha Salomé Lima. En el trabajo titulado “Madres arrepentidas en The Lost Daughter” la autora propone recuperar algunas claves de lectura del libro Madres arrepentidas, de Orna Donath (2016) a partir de la historia que se desarrolla en el film. El trabajo revisa la relación de la mujer consigo misma en tanto madre y también los mitos que vinculan la maternidad con un destino inexorable para las mujeres.

Las series también tienen su lugar en este número del Journal. Álvaro Martín Sanz ofrece un análisis de la miniserie que trata de reconstruir la historia del gurú indio Bhagwan Shree Rajnees (Osho), que se estrenó en Netflix con el título “Wild Wild Country” (Way y Way, 2018). A través de un recorrido por distintos recursos técnicos-estilísticos, el autor busca comprobar la hipótesis que indica que la obra aparentemente documental no brinda un análisis objetivo de los hechos, sino que establece un discurso crítico respecto del fenómeno religioso.

Cerrando el número, se incluye un artículo que anticipa uno de los más ambiciosos y comprometidos proyectos de nuestro Journal: un número dedicado al antiespecismo en el cine, previsto para marzo 2023. El tema excede el marco de esta Editorial, con lo cual nos limitaremos a ofrecer un avance, a la manera de un tráiler cinematográfico:

Sandra Daniela Rojas Castillo propone analizar la película infantil Babe, un cerdito valiente (Noonan, 1995) desde una perspectiva bioética y antiespecista. El artículo se titula “Babe, un cerdito no tan valiente” como un modo de problematizar la clasificación arbitraria que los seres humanos hacen de los animales y el costo que implica para el personaje el ser emancipado de la categoría de alimento. Para ello, se analizan los recursos narrativos propuestos en el film y la representación que se hace del mundo animal.

Y como habitualmente, dos importantes reseñas.

La primera, realizada por Jimena Muñoz sobre la 8va edición del Festival Internacional de Cine en las Alturas, que tendrá lugar del 2 al 11 de septiembre de 2022 en la provincia de Jujuy, en Argentina. El mismo contará con dos modalidades de participación: presencial y virtual. Este tipo de actividades se constituyen como una valiosa oportunidad de encuentro y difusión de distintas obras de la cultura andina.

La segunda, la reseña del libro “Desplazamiento forzado en escenarios de conflicto: perspectivas desde la ética y los Derechos Humanos”, editado por Andrea Hellemeyer y Eduardo Díaz Amado. Se trata de una intervención realizada por Brinton Lykes durante la presentación de la obra. El libro explora, a través de ocho capítulos, una lectura sobre los procesos migratorios forzados y la figura de los “refugiados” desde la ética y bioética, incluyendo una retrospectiva del tema a través del cine.

[1] Ver la entrada: Metaverso. En Gómez, R. (comp.) Diccionario político-psicológico de redes sociales y era digital. Córdoba: Ediciones UNC, 2022

[2] Para un seguimiento de esta cuestión de la memoria y el recuerdo en la obra de Freud, ver el texto de Eduardo Laso “La memoria de los verdugos”, disponible en https://journal.eticaycine.org/La-memoria-de-los-verdugos.

[3] Respecto de la memoria histórica, no es casual que dos de las películas comentadas, “Madres paralelas”, de Almodóvar, y “Maixabel”, de Bollaín, ambas de 2021, traten casos sensibles del tema. Una de las modificaciones que incluye nueva Ley de Memoria Democrática que se vota en España es la declaración de ilegalidad del régimen franquista y de todos sus tribunales. También se redefine el concepto de víctima, al incluir a toda persona "que haya sufrido, individual o colectivamente, daño físico, moral o psicológico, daños patrimoniales, o menoscabo sustancial de sus derechos fundamentales" como consecuencia del franquismo. Así, por ejemplo, las personas exiliadas, enviadas a campos de trabajos forzosos, participantes de la resistencia antifranquista, o castigadas por su condición sexual, serán algunas de las numerosas causas que podrían ser reflotadas. Respecto de las minorías sexuales y el franquismo, recordemos la conmovedora escena del film “Las cosas del querer”, de Jaime Chávarri (1989), cuando el personaje de Mario, brutalmente golpeado por los falangistas debe salvar su vida partiendo al exilio debido a su condición gay. Y en relación al tratamiento de los cuerpos, siguiendo los pasos de Antígona, la modificatoria de la ley prevé la elaboración de un mapa con la localización de personas desaparecidas, donde se incluirán las fosas comunes. También, la creación de un banco estatal de ADN de víctimas del franquismo para así poder comparar perfiles genéticos en la identificación de restos, y ejercer el milenario derecho a la sepultura.

[4] Como bien lo resume el artículo de Biscaia Fernández “la roboética centra sus esfuerzos en tres grandes líneas de acción: adaptar la ética humana a la robótica, incrustar un código moral en los robots mismos, y pensar qué ética surgiría de una posible conciencia futura de los robots” (pág. 56). Se advierte claramente que la sola enunciación de tales líneas de acción comporta una controversia ético-epistemológica.

[5] Ver al respecto el comentario de Gustavo Dessal “Más allá del principio de realidad”, publicado en Zadig, España, a inicios del 2022 y disponible en línea https://zadigespana.com/2022/03/16/mas-alla-del-principio-de-realidad/

Transversalidad del cine

Juan Jorge Michel Fariña, Paula Mastandrea — 2022-03-29T12:29:54Z

El cine es un arte transversal. También lo son, por supuesto, el teatro, la música o la literatura. Pero el cine tiene la virtud de reunir en su seno a todas las artes precedentes, e incluso proyectar su haz de luz hacia las por venir. Este número del Journal coincide con la realización en la ciudad de Porto, del Congreso Mundial de Bioética por la International Chair in Bioethics. Allí el cine ha confirmado este valor transversal, ofreciendo escenarios para las discusiones en áreas tan diversas como, fin de vida, reproducción asistida, género, cuidados paliativos, holocausto, inteligencia artificial o edición genética.

En sintonía con este evento, el número del Journal reúne una serie de aportes locales e internacionales que dan cuenta de esa virtud universalista del cine. En el artículo La relación ser-humano-naturaleza en el largometraje de Hayao Miyazaki: Nausicaä del Valle del Viento, desde el principio de armonía confuciano, Omar Santiago propone, tal como lo indica el título, dar cuenta del valor que el principio de armonía confuciano puede ofrecer como clave de lectura al cuerpo de la reflexión moral y conductual los personajes del film. El escrito no se centra únicamente en la narrativa del film, sino también en el papel de la música en esta producción.

Por su parte, María Christiansen ofrece un análisis del film Marriage History (Baumbach, 2019) con el propósito de mostrar el potencial del cine para plantear de manera sutil y original la cuestión filosófica del desacuerdo y la autonomía epistémica. El artículo La ética de la disputa. Un análisis filmográfico sobre el litigio postconyugal pone el foco sobre la identificación del posicionamiento ético-epistémico desde el cual los protagonistas participan activamente de las discusiones en torno a su divorcio. A su vez, cómo el alegato judicial y la intervención de los abogados impacta sobre estas discusiones.

El análisis sobre los procesos del duelo también se hace presente en este número. En primer lugar, en su artículo A propósito de “After Life”: una reflexión filosófica sobre la noción de experiencia moral del duelo, Guillermo Lariguet y Jaime Rodríguez Alba se proponen explorar el estatus conceptual de la experiencia moral. Para ello, parten de la historia del protagonista de la serie After Life (Gervais, 2019-2022), quien se encuentra transitando un duelo.

María Medina-Vicent nos propone un recorrido pormenorizado por los distintos modos de transitar el duelo que se observan en el film Pieces of a Woman (Mundruczó, 2020), en el artículo titulado Recomponer las piezas. Pérdida y duelo. Se centra para ello en el análisis de una pareja que presencia el fallecimiento de su hija minutos después del parto, y sobre el personaje de la abuela.

Los mandatos de la masculinidad hegemónica son abordados por Cecilia Inés Luque en su artículo Afectos y desujeción en la formación de un rey. Arthur Pendragón en la serie Merlín. La autora analiza la serie Merlín (Capps, Jones y Michie, 2008-2012) para reflexionar sobre la importancia de los afectos relacionados con la subjetividad masculina en los procesos de cambio social.

Por otro lado, en el artículo Empatía a través del séptimo arte en estudiantes de medicina durante el confinamiento por SARS-CoV-2/COVID-19, David Chamorro-Plata y Guadalupe Fajardo-Orduña presentan una investigación sobre una experiencia pedagógica que se llevó a cabo en la Universidad de Anáhuac-Mayab en Mérida, México. El objetivo fue evaluar la utilidad del cine documental como dispositivo de enseñanza y aprendizaje para el desarrollo de la empatía en estudiantes de medicina durante el confinamiento por SARS-Cov-2/COVID-19.

Cierran el número dos trabajos vinculados a la historia y al porvenir. En primer lugar el ensayo de Dilcio Dantas Guedes, desde Toronto, que aborda La práctica analítica de Françoise Dolto: reflexiones sobre el uso de los dibujos desde una película biográfica, una reflexión estético-conceptual a partir del biopic sobre la célebre analista de niños francesa.

Y finalmente, un anticipo cinematográfico, que por su importancia es banner de este número de Etica & Cine Journal. Se trata de uno de los estrenos más esperados del año, especialmente para el público argentino. Argentina 1985, de Santiago Mitre, protagonizado por Ricardo Darín y Peter Lanzani, recrea por primera vez en la pantalla el juicio a las juntas militares, llevado a cabo en aquellos primeros años del retorno democrático en la Argentina bajo el gobierno de Raúl Alfonsín. Nuevamente la época, ahora a partir de la lectura de Juan Carlos Mosca, que aporta el valor de la puesta en escena como suplemento de la trama histórico-social.

En suma, la política, la ciencia, el arte y el amor, los grandes escenarios del acontecimiento según Alain Badiou, tienen su lugar en este número del Journal. La ética y el cine son esa transversalidad que los hace próximos y tangibles.